Por Sanders Lau, director coral, Hong Kong
Los directores corales estamos bendecidos con la oportunidad de navegar el diseño de programas de conciertos como una forma de expresión artística única. Un programa de concierto bien pensado no sólo ayudará a exhibir exitosamente todo el arduo trabajo que nosotros y nuestros miembros del coro hemos puesto en el proceso de preparación, sino que también dejará un impacto más profundo en nuestro público. Al seleccionar un repertorio, se deben tener en cuenta una multitud de consideraciones; a menudo, es un proceso de muchos ensayos y errores. Además, no necesariamente se vuelve más fácil, incluso después de acumular considerable experiencia y conocimientos sobre el tema, ya que el repertorio disponible para nosotros también está en constante expansión. Este artículo tiene como objetivo dar a los lectores algunos consejos probados y verdaderos, con la esperanza de brindar ideas a aquellos que recién comienzan.
Balance
Independientemente de cómo se organice un programa de conciertos, siempre intento encontrar un equilibrio en dos áreas: 1) nivel de desafío y 2) elementos musicales clave.
Cuando diseño un programa, mantengo una proporción de aproximadamente 1:2:1 para piezas fáciles, moderadas y difíciles. Las piezas moderadamente desafiantes comprenden la mayoría de un programa y tomarán aproximadamente el 40% del tiempo total de ensayo. Deberían reflejar de manera más efectiva la capacidad artística actual del coro. Aunque las piezas difíciles ocupan una parte más pequeña del programa, deberían tomar otro 40% de sus ensayos, ya que necesitarán más tiempo para pulirlas. Estas piezas deberían llevar al coro a alcanzar sus aspiraciones artísticas y técnicas. Las piezas más fáciles deberían requerir el menor tiempo de ensayo, dando una buena sensación de logro. Dicho esto, el primer y más importante paso es evaluar con precisión las capacidades de nuestros cantantes en términos de alfabetización musical, capacidad de lectura a primera vista, habilidades auditivas y de ensemble, competencia vocal, y así sucesivamente, llegando así a un plan de ensayo realista.
También equilibro mis selecciones de acuerdo con otro parámetro: su principal interés musical. De hecho, casi toda la música en la tradición clásica occidental se construye en torno a tres elementos fundamentales: melodía, armonía y ritmo. La tarea consiste en identificar qué elemento contribuye más a hacer que cada pieza sea única y emocionante. Por ejemplo, The Seal Lullaby de Eric Whitacre (n. 1970) tiene una melodía fascinante pero relativamente poco interés rítmico. Seguramente, también tiene algunas armonías coloridas, pero recomiendo clasificarla como impulsada por la melodía. Un ejemplo impulsado por el ritmo sería Alleluia de Jake Runestad (n. 1986), que está marcado por figuras rápidas y emocionantes y cambios de métrica. Locus iste de Paul Mealor (n. 1975) es un excelente ejemplo de escritura impulsada por la armonía, caracterizada por armonías ricas y extendidas. Sin embargo, recuerde que es normal que las piezas parezcan atractivas en más de una de estas tres áreas.
Coherencia
Buscamos diseñar un repertorio cohesivo para crear una experiencia de concierto satisfactoria para nuestros oyentes. En otras palabras, siempre hay algún tipo de "tema" que vincula todas las obras en un programa. Por lo tanto, parece intuitivo comenzar decidiendo sobre un tema y luego buscar piezas que encajen bien. Otro enfoque es elegir sólo una obra como característica central o punto de anclaje, y luego extraer un tema de ella y construir a partir de eso. Estos temas pueden ser cualquiera de los siguientes: emociones (por ejemplo, alegría, miedo, esperanza, tristeza), naturaleza (por ejemplo, estaciones, agua, fuego, estrellas, flores), experiencias humanas (por ejemplo, amor, muerte, guerra), conceptuales (por ejemplo, paz, tiempo, oscuridad); o pueden estar más relacionados con la música, como período, género, idioma, literatura, origen de la composición, y así sucesivamente. Y, por supuesto, estos pueden combinarse para formar ideas más específicas, como "canciones del siglo XIX sobre amor y odio" u "obras de compositores escandinavos contemporáneos sobre la naturaleza".
Puede encontrar dos ejemplos de programas que creé en el enlace a continuación. El ejemplo 1 "Fe, Esperanza, Amor, Alabanza" fue diseñado para un coro juvenil. Decidí sobre los temas (bastante directo, como sugiere el título) y luego elegí algunas piezas para cada uno mientras mantenía los equilibrios que mencioné anteriormente. El ejemplo 2 "Bajo la Palidez de la Niebla" es más complejo y fue diseñado para un grupo de cantantes veteranos. El ancla fue "There Are Some Men", una pieza muy corta de Philip Glass (n. 1937). El texto de esta pieza forma la columna vertebral inspiradora del programa, que presenta piezas que fueron seleccionadas de acuerdo con los temas presentados en el poema, como la niebla, el canto de lamento, los amantes, el tiempo y el silencio, creando una narrativa no lineal que actúa como reflexiones sobre el poema en un aura cohesiva. También he incluido las notas del programa para el ejemplo 2 como referencia.
Búsqueda de Repertorio
Dado que se necesitará otro artículo dedicado para abordar a fondo este tema, sólo daré un par de consejos rápidos. El primero es lo que llamo el método del ‘agujero de conejo’. Comience simplemente eligiendo una grabación de una pieza que le guste y luego busque otras grabaciones que sean del mismo compositor, coro o director. Una vez que haya encontrado otra grabación de interés, repita el proceso. Haga esto a menudo y pronto se encontrará en posesión de una red de repertorio basada en su gusto.
El segundo consejo es comenzar a mantener una base de datos de repertorio desde el principio de su carrera. Actualícela frecuentemente con piezas que ya haya interpretado y aquellas que acaba de descubrir. Clasifíquelas según la dificultad, los principales intereses musicales, los temas y otra información como la duración, la instrumentación y la tesitura, el idioma, el período, etc.
Conclusión
Espero que estas ideas y consejos le ayuden a diseñar el programa adecuado para sus coros. Por último, pero ciertamente no menos importante, debemos encontrar el “gancho” que nos haga querer interpretar lo que hemos preparado. Tal vez sea el mensaje que el programa transmite, o simplemente nos apasionan las obras de un período específico, o tal vez haya una sola obra que estemos deseando interpretar. Sea lo que sea, debemos amarlo. Solo entonces podremos compartir convincentemente ese amor con nuestro coro y, a su vez, con nuestro público.
SANDERS LAU es uno de los directores corales más buscados de Hong Kong. Es el Director Artístico y fundador de NOĒMA, un destacado coro de cámara que incluye a algunos de los mejores músicos corales de Hong Kong. El coro se ha establecido rápidamente como una de las fuerzas más dinámicas e innovadoras del panorama coral de la ciudad. Sanders también ha colaborado estrechamente con Die Konzertisten como su Director Residente, preparando al coro para actuar con una constelación de directores aclamados internacionalmente como Stephen Layton, Jonathan Cohen, John Butt y Maxime Pascal, cultivando un interés especializado en las interpretaciones históricamente informadas de la música antigua. Sanders ha sido invitado a dirigir, juzgar y dar clases magistrales y talleres para organizaciones como el Festival de las Artes de Hong Kong, el Festival de Voces de Singapur, el Festival Coral Interescolar de Hong Kong y el Coro de Niños de Hong Kong. Sanders ganó el Primer Premio y dos Premios Especiales en el 3er Concurso Internacional de Directores Corales Romano Gandolfi en Italia en 2023. sanders.lau@noema.hk
Traducido del inglés por Vania Romero, Venezuela
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