Los compositores incluidos en este artículo son sólo algunos de los que moldean el panorama coral de Australia. Dejo al lector sumergirse en el mundo de cada compositor/a. Se incluyen sitios web individuales, junto con tres sitios para obtener más información: Australian Music Centre, sitio web de educación y formación de directores corales australianos, Morton Music y Sing Score.
Dr. Lisa Cheney
Go Back and Start Again (2019) fue un encargo del Coro de la Orquesta Sinfónica de Tasmania, que utiliza una combinación de canto y habla en cada sección de las voces. El efecto deseado es que el público sienta como si el coro fuera un cerebro conectado, que ofrece vistazos de sus pensamientos internos ocultos. Esta pieza comenzó como una encuesta anónima de preguntas al Coro de la Orquesta Sinfónica de Tasmania. Lisa pidió a los cantantes que compartieran sus pensamientos sobre lo que harían con tiempo ilimitado y qué es lo que más temían acerca de perder el tiempo. Cada respuesta contenía una sensación subyacente de aprendizaje de experiencias pasadas y el temor de que se acabaría el tiempo antes de que pudieran volver a saborear los momentos más significativos de sus vidas.
En Drought (2012), Cheney toma el poema del mismo nombre de la fallecida poeta de Brisbane, Judith Wright y le pone música para soprano solo y coro SSAATTB. La música, el texto y las voces trabajan juntos para esculpir hermosos e inquietantes panoramas sonoros e imágenes de un paisaje australiano en constante cambio, posado bajo un sol implacable.
Dr. Gerardo Dirié
Pomegranate Friends (2011) es una obra en tres movimientos para coro SATB, saxofón improvisado y ondas sinusoidales de 4 canales. El poema y los diseños sonoros están inspirados en aforismos chinos traducidos escuetamente por el misionero jesuita renacentista Matteo Ricci en su Ensayo sobre la amistad. Se presentan expresiones concisas sobre los valores de la amistad a través de una superposición de ondas sinusoidales pitagóricas que cambian suavemente a una afinación de 12 sonidos de temperamento igual. Un saxofonista improvisador resalta las cualidades de afinación de ambos contextos para preparar la entrada de la sección coral. Two Hands or Wings explora los matices emocionales y físicos de la adaptación a contextos sonoros cambiantes, una alusión a experimentar en el alma acuerdos y desequilibrios.
War Within (2018)
Los conflictos colectivos, tanto como los traumas individuales, privados y cotidianos, pueden enviarnos a las zonas más oscuras. Los desgarradores relatos contados por el General de División (retirado) John Cantwell en sus“heridas de salida” ofrecieron un poderoso relato de cómo la participación en conflictos extremadamente peligrosos y crueles puede llegar a afectar el corazón de una persona. Cuando se lo invitó a componer una obra musical para el Día ANZAC 2018 en Brisbane, Gerardo buscó contribuir con una perspectiva combinada: la historia de Cantwell, pasajes del Inferno de Dante, palabras del poeta sunita musulmán persa del siglo XIII Jalāl ad-Dīn Rūmī, y experiencias y perspectiva de los oficiales actuales del ejército. Gerardo también optó por diseñar un arco subjetivo iniciando la música con el sonido premonitorio de un avión Hércules C-130 y los tranquilizadores versos culminantes del Inferno de Dante. La combinación de estos sonidos con el coro y el canto solista se presentan a lo largo de la composición de 13 minutos en una trayectoria inspiradora que surge de la oscuridad a través de los cuatro movimientos. La composición está dispuesta para dos narradores, barítono solista, trompa, saxofón alto, órgano, piano, coro SATB y al menos dos altavoces para los efectos de sonido.
Paul Jarman
Rise in Song (2022) para coro SSATB fue un encargo para el Festival Coral Watu en Adelaida. Con la pandemia de COVID en mente, Paul se sintió obligado a escribir una obra poderosa, edificante y de protesta desde la perspectiva de los cantantes, regresando como una comunidad global unida después de años de cancelación. Watu (wah-doo) es el nombre Kaurna para un grito comunitario al final de una reunión. Para reconocer la filosofía del Festival Coral Watu, Paul quería que la pieza le gritara al mundo que nosotros, como cantantes, hemos regresado y que nada podrá quitarnos el deseo de cantar juntos. La música es cruda y poderosa y, a medida que cada cantante se une a la canción, la pieza es una celebración de lo que el canto hace por la mente, el cuerpo y el espíritu. Paul escribió la pieza también para reconocer los numerosos estilos de música que existen en todo el mundo. Sin embargo, el final de la obra es en un fuerte y apresurado estilo gospel, similar al sonido comunitario del canto masivo en las iglesias estadounidenses.
And Will He Not Come Again (2016)
Cuando la Oxford University Press le pidió que formara parte de un grupo selecto para honrar el 400º aniversario de la muerte de Shakespeare, Paul recibió el texto de la afligida canción de Ofelia del Acto 4, escena 6 de Hamlet de Shakespeare. Escrita para voces agudas, la melodía inicial mantiene al oyente nervioso con sus configuraciones tonal y rítmica ambiguas. Sin embargo, una vez que el coro y el piano se unen, el resultado es una melodía muy fuerte que parece muy obvia en ese entorno. En la segunda sección, Paul introduce un sutil cambio de tonalidad para explorar el cambio de época, un reflejo del pasado y el recuerdo de su padre por parte de la niña. El final tiene lugar en la capilla con los acordes finales que se asemejan a los dos primeros acordes de In Paradisum de Gabriel Fauré. La pieza termina con una larga y profundamente conmovedora declaración de "God have mercy on his soul" ["Dios, ten piedad de su alma"]. Polonio y Ofelia son víctimas inocentes en la historia de Hamlet y espero que mi obra resalte la tragedia de estos personajes.
Stephen Leek
Ngana (1994), disponible en varias disposicioness de voces, toma la palabra indígena australiana para tiburón, "Ngana", y la sumerge en un lavado de textura con las palabras "Lina" (agua), "Mangana" (pez) y "Yah", que es un saludo de bienvenida. La pieza captura sorprendentemente las energías impulsoras, los ritmos y los colores vivos del paisaje marino insular que se encuentra alrededor del extremo noreste de Australia.
A Gibber Plains Noel (1991) y Wurundjeri Song (2004) son un par de piezas representativas de las muchas obras que Stephen ha escrito trabajando con jóvenes de toda Australia. A Gibber Plains Noel fue escrita en Alice Springs, en el centro de Australia, y captura los sonidos de los pájaros y otros animales, y el calor de la selva en una Navidad de verano australiana. Wurundjeri Song fue escrita junto con jóvenes cantantes que viven en Wurundjeri Country (la zona de Melbourne). Aquí, descubrieron juntos el patrimonio tradicional de la zona y la belleza de los parques locales que estaban llenos de aves y animales nativos; los estudiantes escribieron los textos y Stephen proporcionó la versión musical.
Ruth McCall
Waltzing Matilda (versiones con múltiples voces) establece el texto de esta conocida canción popular, considerada durante mucho tiempo como el Himno Nacional no oficial de Australia, y se reelabora en esta nueva versión. Existe la opción de añadir palmadas y un pedal, utilizando un diyeridú o whirly-whirlies, por ejemplo. La pieza presenta algunos desafíos en forma de diferentes técnicas vocales en cada sección y ciertamente no es fácil, pero hay una verdadera sensación de logro cuando un coro domina las diferentes capas. Hay un pedal cantado de palabras indígenas que describen las plantas alrededor del pozo de agua, junto con una mezcla de melodías: mi propia melodía, la melodía bien conocida, y la melodía de Queensland. Todas estas melodías se combinan para crear una pieza enérgica con un triunfante final.
Bound for South Australia (SSATBarB) es un arreglo de la canción popular, y también es un desafío para los cantantes, ya que se mueve a un tempo giusto. Termina con un riff de jazz en el que participan todos los cantantes. Es una pieza vistosa, cuya interpretación ganó el oro en los World Choir Games el año pasado, pero ¡ojo, no aceleres!
Andrew Schultz
As Wave Drives Wave, Opus 115 (2021, encargada por el Brisbane Chamber Choir) es una versión a cappella de líneas memorables de las Metamorfosis de Ovidio, que a su vez extrajo de El flujo eterno de Pitágoras. El movimiento de las olas y su inquietante renovación se utiliza como metáfora de la certeza del cambio perpetuo en el universo. Las imágenes del texto de Ovidio son muy hermosas y posiblemente incluso un poco melancólicas, o tal vez graníticas y filosóficas y, por lo tanto, la tristeza es irrelevante. Esta pieza de seis minutos (SATB divisi) se basa en una armonía de movimiento lento con secuencias de acordes superpuestos y entrelazados, como si las suspensiones no resueltas fueran olas empujando olas.
Magnificat, Opus 79 (2009) comienza vacilante con una melodía de tipo canto llano que se desarrolla desde el intervalo desnudo de una cuarta como los pétalos de una flor. Sin embargo, una vez que florecen, las partes vuelven a desaparecer y la música vuelve a la pureza de las líneas individuales. A pesar de la delicadeza de la escritura y la suavidad del canto, hay una sensación de tranquila determinación que hace eco del epigrama que Schultz ha inscrito al principio de la partitura: “Ningún alma cobarde es mía” (Emily Brontë, Last Lines). La María de Schultz puede ser pequeña, pero tiene fuerza y coraje al enfrentar un futuro más allá de su imaginación. Schultz adopta un enfoque diferente en los momentos finales de esta obra. El tiempo parece ralentizarse o incluso detenerse a medida que líneas vocales individuales se arquean sobre la quietud; la torre de quintas vacías y abiertas en las que finalmente descansa la música se equilibra no en la tónica sino en la quinta del acorde, dejándonos suspendidos mientras las voces se desvanecen hacia el silencio.
Paul Stanhope
En el nuevo Requiem de Paul (2024), que evolucionó gradualmente a lo largo de 20 años, Paul dedicó mucho tiempo a pensar en reinventar el medio, personalizar la narrativa y reubicarla en una sensibilidad que, en su opinión, podría ser adoptada por la era actual. Requiem está escrito para las íntimas fuerzas de un coro de cámara con un pequeño conjunto instrumental de cuatro instrumentos de viento, arpa y percusión con soprano y tenor solistas. La pieza de 9 movimientos utiliza una selección cuidadosamente tomada de la Misa de Requiem original. La ambientación musical de textos poéticos en inglés –algunos espirituales, otros seculares– se sustituye en las secciones del texto del Requiem omitido, para personalizar aún más la narrativa. Todos los textos en inglés son de poetas: Neela Nath Das (India), Mary Elizabeth Frye y Emily Dickinson (ambas estadounidenses) y el poeta indígena australiano Oodgeroo Noonuccal. Estos textos transmiten mensajes que arrojan luz sobre los textos de la Misa, algunos de los cuales podrían representar la tradición paternal y autoritaria de la Iglesia Católica. Requiem ha sido grabado por el Sydney Chamber Choir y se lanzará en 2024.
Lisa Young
Sacred Stepping Stones (2020, encargada por la Gondwana National Choral School) habla sobre la forma en que la tierra nos moldea y cómo el planeta es sagrado y precioso. Es una invocación que celebra la belleza de la tierra y es un llamado a defender su cuidado. La interpretación de la pieza implica un "banco de sonidos" vocales distintos, que integra konnakkol de altura definida con sonidos scat para agregar impulso rítmico a este mensaje. El texto en inglés, combinado con el banco de sonidos vocales de Young y las sílabas scat, crea texturas vocales polirrítmicas que hablan de este tiempo y lugar.
El tema original compuesto por Lisa y Ben Robertson de Tha Thin Tha (2014, encargado por Gondwana Choirs) también utiliza el "banco de sonidos vocales", el konnakkol del sur de la India y las sílabas scat. El tala de la música se delinea mediante gestos cíclicos con las manos. Marcar el tala de esta manera es una parte integral de la interpretación de la música carnática. La versión deCoco’s Lunch:
Traducido por Oscar Llobet, Argentina
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